Толедский музей искусств - О. Киташова

Кристен Кёбке (1810–1848) Неаполитанский залив 1843. Холст, масло. 60,3x81,9

Наряду с философом Сёреном Кьеркегором, писателем Гансом Христианом Андерсеном и скульптором Бертелем Торвальдсеном Кристен Кёбке принадлежит к золотому веку датской культуры, пришедшемуся на 1820-1850-е. Утвердив себя в качестве портретиста и пейзажиста в родном Копенгагене, в 1838–1840 художник отправился в южное путешествие. Некоторое время он прожил в Риме, но именно Неаполитанский залив стал для живописца настоящим источником вдохновения. Зарисовав небольшой эскиз с его изображением на бумаге, мастер уже по возвращении в Данию превратил его в полноценное полотно.

Пейзаж Кёбке отличается сочетанием высокой степени детализации с выразительным и ярким колоритом. Запечатлен жаркий безветренный летний полдень, наполненный тишиной и умиротворением. Сцену оживляют фигурки неаполитанских рыбаков. Некоторые из них показаны за работой, другие разговаривают, починяют снасти, а один и вовсе уснул прямо на корме. Тени лодок, отражающихся в незамутненной воде, мерно колеблются. Голубое безоблачное небо становится еще одним штрихом в создании безмятежного мира, его спокойствие не в силах нарушить даже вид грозного Везувия.

Гюстав Курбе (1819–1877) Шпалера с цветами 1862. Холст, масло. 109,8x135,2

Гюстав Курбе — один из основоположников реализма, утверждавший: «Живопись заключается в представлении вещей, которые художник может увидеть и коснуться. Я твердо придерживаюсь взглядов, что живопись — предельно конкретное искусство и может заключаться лишь в изображении реальных, данных нам вещей. Это совершенно физический язык». Он был ярым противником обращения к историческим и мифологическим сценам, столь распространенным в художественной практике прошлых времен.

В связи с убеждениями мастер и на этой картине представил молодую женщину, не превращающуюся в нимфу или аллегорическую фигуру, а остающуюся самой собой. Цветочный узор ее платья становится дополнительным элементом к лейтмотиву произведения, которым является увитая разнообразными цветами шпалера. Следует отметить, что изображение цветов считалось одним из наименее значительных, низких жанров, согласно рангу Академии художеств. Отводя им главную роль в своем полотне немаленьких размеров, Курбе выводит этот сюжет на новый уровень.

Работа была создана во время пребывания мастера на юго-западе Франции у богатого молодого мецената Этьена Бодри. За год жизни у него Курбе написал около сотни холстов, причем пара дюжин из них, включая «Шпалеру с цветами», посвящена цветочным мотивам. Он мог вдохновляться страстью покровителя к ботанике, а также заинтересованностью адвоката Годена, проживавшего по соседству и знакомого с художником, историей цветочного символизма.

На этой картине выразительность оттенков и разнообразие фактур, которых достигал Курбе, чередуя мазки кисти и резкие удары мастихина, индивидуализируют каждое растение. Изображение цветов не в виде букета, стоящего в вазе, а растущими соотносится со стремлением автора к натурализму и жизненности, а также напоминает о беззаботной чувственности и позволяет представить женщину как цветок среди цветов.

Йозеф Израэлс (1824–1911) Пастушья молитва 1864. Холст, масло. 90,3x125,5

Йозеф Израэле входил в число основных участников гаагской школы живописи, являвшейся самым значительным художественным объединением в Нидерландах во второй половине XIX века. Ее представители следовали реалистическим тенденциям, ориентируясь на произведения французских художников-барбизонцев.

Вероятно, что картина «Анжелюс» Жана Франсуа Милле, основателя и одного из самых знаменитых представителей барбизонской школы, могла вдохновить Израэлса на создание своей «Пастушьей молитвы». Милле изобразил двоих крестьян за вечерней молитвой, и живописец, выбрав тот же сюжет, стремится создать подобное ощущение лирической умиротворенности и глубинного покоя, внушаемого действиями селян и окружающим их пейзажем. Юный пастух на полотне Израэлса молится перед приемом пищи, в то время как девушка наливает ему молоко. Безмятежный вид с далекими холмами и стадом овец вселяет чувство тихого спокойствия и единения людей с природой, которое воспевалось художниками того времени, идеализировавшими простую жизнь крестьян.

Камиль Писсарро (1830–1903) Натюрморт 1867. Холст, масло. 81x99,7

«Не затрудняй себя поисками нового: нужно искать новизну не в сюжетах, а в способе их выражения», — писал Камиль Писсарро, один из самых ранних и наиболее последовательных представителей импрессионизма, сыну, также желавшему стать художником. Неожиданный подход к трактовке привычных форм — определяющий для творчества импрессионистов. Обращаясь к традиционным темам, они поражали публику конца 1860-х новаторством техники, которой, по их мнению, надлежало отражать верность индивидуальности, что отождествлялось с искренностью.

Данный натюрморт — первое из полотен Писсарро, ставших убедительным практическим подтверждением его теоретическим измышлениям на тему того, каким должно быть искусство. Для создания необходимой ему фактуры, художник воспользовался мастихином, позволившим добиться выразительных, иногда почти скульптурно рельефных мазков, их резкой смелости противопоставлены проработанные кистью участки. Именно это пластическое разнообразие, изменчивость и неоднородность фактуры делают привлекательной для взгляда зрителей представленную картину. Ее композиция решена с классической строгостью, колорит лишен всплесков ярких красок, а содержательная сторона обыкновенна и буднична.

Эдгар Дега (1834–1917) Виктория Дюбурж. Около 1868–1869. Холст, масло. 81,3x64,8

На этом портрете изображена Виктория Дюбурж, знакомая Эдгара Дега. Рисуя эскизы в Лувре, девушка, желавшая стать художницей, встретила живописца Анри Фантен-Латура и впоследствии стала его женой. Данный холст относится ко времени, когда Дюбурж и Фантен-Латур были помолвлены, и пустой стул, включенный в композицию, может служить своеобразным напоминанием о будущем муже портретируемой. Стеклянная ваза с сиренью на каминной полке, несомненно, отсылает к излюбленному предмету Дюбурж-художницы — она известна своими натюрмортами.

Кажущийся столь легко написанным благодаря эскизной манере портрет является в действительности плодом значительных размышлений Дега. Он не раз переосмыслял его композицию, добавлял и убирал те или иные детали, о чем свидетельствуют наброски в альбоме мастера и подготовительные рисунки. Даже созданное произведение подверглось изменениям: над головой Виктории можно увидеть следы записи прежде изображенных картин в рамах. Портрет — жанр, к которому Дега обращался нечасто, в основном лишь, чтобы запечатлеть близких. Как бы то ни было, его работы обладают остротой и непосредственностью, что делает их особенно выразительными.