Современное искусство и как перестать его бояться - Сергей Гущин

Противостоять забвению и перекладыванию ответственности за нацистские зверства исключительно на военных стремились венские акционисты. Это объединение художников появилось в 1961 году, а их акции отличались чрезвычайной радикальностью и часто носили ритуальный характер. Одна из ярких фигур венского акционизма – Херман Нитч. В рамках одной из его художественных акций он был распят на кресте и облит кровью, позднее тело художника, которое в данных «перформансах» являлось «холстом», заменили туши ягнят. Распятие Христа Нитч сравнивал с первобытным убийством отца, о котором в своих теориях много писал Фрейд.

В послевоенное время в Японии, вышедшей из-под оккупации, появилось движение «гутаи». Художники, примкнувшие к нему, занимались перформативными практиками, а также создавали абстрактные полотна наподобие тех, что в 1950-е годы появились в США. Есть версия, что именно американские государственные и частные фонды пропагандировали развитие абстрактной живописи как самовыражение свободы. В противовес формалистскому и реалистичному искусству коммунистических стран, абстракционизм являлся самим синонимом свободы личности от тоталитарного режима.

Интересная трансформация общества и художественного мира происходила как раз в США. Вторая мировая война по-своему распределила роли мужчин и женщин: пока первые находились на фронте, вторые начали работать в различных сферах производства, а также начали занимать высокие посты в государственных учреждениях. Плакаты военной эпохи стремились поднять дух не только военных, но и гражданских, убеждая женщин поверить в свои силы. Девушки видели для себя новые перспективы и стремились получить высшее образование. Но после окончания военных действий у патриархального общества появилась необходимость в восстановлении традиционной системы разделения ролей мужчин и женщин. В 1950-е годы на смену призывам женщин помогать своей стране, пришел новый курс – их убеждали в том, что им ни к чему профессиональная карьера, высшее образование, творчество и тем более участие в политике. На первый план вышли все те же аргументы, как и сотню лет назад: о природной неспособности и неготовности женщин к профессиональной занятости, о вредности отвлечения их от «естественного предназначения» матери и жены.

В начале 1960-х годов началась так называемая «вторая волна» феминизма, которая стала логичным продолжением предыдущей, включавшей в себя, к примеру, суфражисток в Великобритании и США. Помимо запрета прямой дискриминации феминистки требовали разрешить женщинам получение кредитов в банке на строительство, возможность аренды жилья, открытие собственного бизнеса, доступ в престижные профессиональные университетские школы и факультеты. В этот период появился радикальный феминизм, в основе идеологии которого лежало утверждение, что корень проблем – это патриархальные гендерные отношения и жесткая система власти.

Говоря об американском феминизме, нужно отметить работу Джуди Чикаго «Званый ужин». Представьте себе комнату, в которой стоит треугольный стол, каждая из сторон которого длиной 14 метров. Места за этим столом предназначены великим женщинам: богине Иштар, Юдифь, императрице Феодоре, Елизавете I, Этель Смит, Вирджинии Вулф и другим. Для каждой женщины ее место отмечено особой тарелкой с объемными изображениями цветов, форма которых похожа на вагины. На каждой стороне стола расположено 13 мест – как напоминание об известной фреске да Винчи «Тайная вечеря». Но Джуди Чикаго не переосмысливает библейский сюжет, а меняет смысл самого ужина: внимание смещается с тех, кто «присутствует» на ужине, на саму пищу, в роли которой выступают вагины. В патриархальном обществе, где «место женщины на кухне», инсталляция превращает «ужин» в событие-символ субординации женщин, и задается вопросами о властном положении мужчин. В своей работе художница использует текстиль, вышивку, роспись по фарфору – все то, что считалось «женским» искусством, в отличии от изящных искусств, в которых всегда наблюдалось господство мужчин. Работу Джуди и хвалили, и ругали. Говорили, что она вульгарна и не подходит музею, но за первые три месяца инсталляцию посмотрело более 100 тыс. человек, после чего она отправилась в тур и посетила шесть стран на трех континентах. В общей сложности тогда ее посмотрели более 15 миллионов человек. Сейчас работа находится в постоянной экспозиции в Бруклинском музее.

Можно сказать, что Такаси Мураками – самый известный «американский японский» художник, его часто даже сравнивают с Энди Уорхолом. Но за ярким, похожим на комиксы творчеством Мураками скрывается мир, в котором он исследует в том числе и разного рода катастрофы: от атомных бомбардировок Хиросимы и Нагасаки до цунами в Японии в 2011 году и аварии на АЭС «Фукусима-1». За улыбающимися цветочками и милыми зайчиками скрывается целый мир, который пытается вернуть взрослого человека в бесконечное детство, скрываются личные переживания художника и переживания всего японского народа. Появление в его работах персонажей, похожих на героев комиксов, не случайно: культура аниме и манга возникла в Японии как ответ на повсеместный страх ядерной угрозы после бомбардировки двух японских городов в 1945-м.

Один из героев, созданных Такаси Мураками для фильма «Глаза Медузы». 2013 г.

Виды экспозиции выставки Такаси Мураками в музее «Гараж». 2017-18 гг.

Виды экспозиции выставки Такаси Мураками в музее «Гараж». 2017-18 гг.

Мураками изучает разрыв между классической японской культурой и массовой, стирает грань высокого и низкого искусства. Он изобрел такое направление, как «суперплоскость», и именно этим он отличается от других японских художников. Такаси говорит: «У нас в японской культуре нет объемных, трехмерных изображений. Нашему рисунку свойственны исключительно 2D-формы, так называемая «суперплоскость». В этом и заключается особенный шарм японской живописи». По сути это реакция на «печальное» искусство, которое появилось в Японии после Второй мировой войны, а также на возникший в то же время в Америке поп-арт.

В 1967 году куратор Джермано Челанто нашел близких по духу художников, выделил общее направление в их работах и придумал термин arte povera – «бедное искусство». Мраморная Венера рядом с грудой тряпья, разбросанные веники, рыба в аквариуме, одинокая свеча напротив стальной пластины – вот пример работ, относящихся к этому стилю. Художники изначально боролись с институциями и показывали свои работы вне музейных и галерейных площадок, хотя сейчас занимают в них едва ли не ведущее место. Термин «бедное» относится в первую очередь к использованным в работах материалам. Художники пытались поменять отношение к искусству, которое не должно быть коммерческим товаром, именно поэтому использовали стекло, ткань, газеты и другие дешевые материалы. Второй особенностью было то, что они в целом отвергали механический труд в производстве работ и использовали промышленные материалы, в отличие от художников-минималистов, которые в это время работали над новым видом искусства в США. В итоге течение просуществовало десять лет и распалось по рекомендации критика, который его и придумал. Причиной было то, что представители направления были слишком зажаты в рамки течения и не могли от него отойти. Главной же задачей направления было расширение физических и интеллектуальных границ искусства, попытка сломать преграду, разделяющую искусство и жизнь. Вот имена, которые стоит знать: Микеланджело Пистолетто, Лучо Фонтана, Янис Куннелис, Пьер-Паоло Калцолари, Алигьеро Боэтти, Пино Паскали.