Современное искусство и как перестать его бояться - Сергей Гущин

Акционизм

Временной контекст и история заставляет художников смотреть на себя и общество с разных сторон, использовать новые средства выражения, отличные от классических. Акционизм, вовлекающий в произведение искусства зрителя, родился из изучения художниками своего тела и стремления к провокации. Из названия уже понятно, что процесс создания произведения тут важнее, чем само произведение. В акционизме художник создает произведение из самого себя, его тело может выступать в качестве привычных для нас краски и холста, а сам художник – в виде инструмента. Сам термин возник в 1960-х годах в Западной Европе и происходит от латинского «actio» – деятельность. Истоки акционизма можно найти в «танцах» вокруг своих картин американского экспрессиониста Джексона Поллока, у Ива Кляйна с его опытом создания «живых картин» – работ, созданных при помощи отпечатков тел на холсте. Кляйн даже провел публичную демонстрацию создания подобных работ: девушки, раскрашенные в синий цвет, оставляли отпечатки своих тел на холстах, а за всем этим под музыку наблюдали зрители. Фактически эта демонстрация стала первым прототипом акционистского искусства.

Большое развитие акционизм получил в Австрии, так называемый, «венский акционизм». Основными членами группы были Гюнтер Брус, Отто Мюль и Герман Нитч. В России же был известен «московский акционизм», за который отвечали Александр Бренер, Олег Кулик, Авдей Тер-Оганьян, Движение Э.Т.И.

Арте-повера

Фрагмент скульптуры Джузеппе Пеноне

В Италии во второй половине ХХ века появилось «бедное искусство», или другими словами арте-повера. Почему бедное? Прежде всего, потому что художники использовали в своих работах обрывки газет, тряпки, мусор, листья табака и т. д., все то, что можно было найти на помойке или в лесу. Их целью стала борьба с капитализмом, костными культурными институциями и «красивым искусством», и именно она заставила художников посмотреть в сторону подобных материалов. Если в Америке в то время господствовал «красивый» абстрактный экспрессионизм, а позднее промышленно созданные произведения в стиле минимализма, то Италия обратилась к природному и ручному в очередной попытке изменить искусство. Движение просуществовало десять лет, и сегодня работы художников арте-повера находятся в ведущих музеях, из которых они так хотели сбежать. Основные представители направления: Микеланджело Пистолетто, Джузеппе Пеноне, Лучо Фонтана, Марио Мерц и многие другие.

Ассамбляж

Роберт Раушенберг. Каньон. 1959 г.

Национальная галерея искусства. Вашингтон

Представьте себе, что вы приходите в музей и перед вами не просто картина: сверху на холст наклеены вырезки из газеты, установлено чучело животного, банки, кирпич, автомобильная шина, часы и все это, возможно, закрашено разной краской. Так вот, перед вами – ассамбляж. За этим понятием скрывается техника в искусстве, которая использует различные объекты, которые художник размещает на плоскости холста. Чем-то напоминает привычный коллаж, но отличается от него как раз своей трехмерностью. Русские художники Владимир Татлин и Александр Родченко одни из первых стали работать в технике ассамбляжа, но сам термин ввел французский художник и скульптор Жан Дюбюффе в 1953 году для обозначения своих работ, выполненных из обломков, найденных предметов и металла.

Баухаус

В 1919 году в немецком городе Веймаре открылась школа Баухаус. Сейчас этим термином также называют объединение художников, которые преподавали и учились там, а также определенный стиль в архитектуре. Среди преподавателей Баухауса был Василий Кандинский, Пауль Клее и многие другие известные художники. Студенты и преподаватели пытались ответить на вопрос, что из себя должно представлять искусство в эпоху электричества и технологического прорыва, что должно победить, красота или функциональность? Все они верили, что под действием нового течения удастся создать новую личность, существующую вне привычных догм. Помимо истории искусств, которую преподавали на одном из последних курсов, студентов учили писать двумя руками или рисовать с закрытыми глазами, делать самостоятельно вещи в мастерских, осваивать гончарные, витражные, столярные навыки, участвовать в театральных постановках, обязательно было преподавание экономики и математики. В итоге студенты сами делали мебель, предметы интерьера. Например, складные столы, которые убирались один в другой, разборные стулья и многое другое. Можно сказать, что это был прообраз «Икеи», а чайные сервизы Марианны Брандт, студентки школы, и сейчас можно приобрести у итальянской компании Alessi. Кроме того студентов учили создавать настенную графику и гравюры, активно экспериментировать со светом и фотографией, делать коллажи. Это был синтез искусства и ремесла. Кстати, когда не было денег на материалы, студенты с преподавателями ходили на свалку, а потом из найденного мусора делали работы.

Баухаус закончился в Германии с приходом к власти национал-социалистов, но нашел свое применение в разных странах: к примеру, в Тель-Авиве есть целый квартал «Белый город», построенный в этом стиле. В 2003 году ЮНЕСКО признал «Белый город» всемирным культурным наследием за «выдающийся пример нового градостроительства и архитектуры начала XX века». Архитекторы баухауса также участвовали в строительстве городов при заводах, к примеру, Свердловска, Орска, Соликамска и других.